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Spectacles Publié le 6 Septembre 2021 à 16h26 Décédée en 2017, Simone Veil est un monument politique et social en France. Première femme ministre de la Ve République en 1974, première présidente du Parlement européen en 1979, elle a occupé pendant quarante ans une place à part dans la vie politique française. À partir du 18 septembre 2021, Cristiana Reali va donc faire revivre les combats de Simone Veil sur les planches du Théâtre Antoine. Une magnifique pièce à ne manquer sous aucun prétexte ! Mise en scène par Pauline Susini, Simone Veil. Les Combats d’une effrontée retrace la vie d’une personnalité marquante du XXe siècle. Celle qui fut déportée dans les camps de la mort, puis magistrate, ministre, élue au Parlement européen et à l’origine de la loi dépénalisant l’avortement, Simone Veil a mené de nombreux grands combats. Le 1er juillet 2018, Simone Veil entre au Panthéon avec son mari Antoine. Les discours officiels se succèdent, célébrant la mémoire de cette femme hors du commun. Une jeune femme, Camille, qui vient d’achever sa thèse sur Simone Veil, est appelée à prendre la parole dans une émission de radio. On l’interroge sur ce qu’elle retient de son aînée. Elle part alors à la recherche de ses souvenirs d’étudiante. À moins qu’il ne s’agisse des souvenirs de toute une génération. Petit à petit, la parole de la jeune femme laisse place à celle de Simone Veil. Cette dernière nous confie ses combats et sa foi en l’humanité. Une conversation se noue entre ces deux femmes, comme un dialogue entre deux générations. Comment trouve-t-on la force de consacrer sa vie à l’engagement ? Comment reçoit-on cet héritage ? La pièce, remarquablement interprétée par Cristiana Reali et Noémie Develay-Ressiguier, nous fait revivre les combats de Simone Veil et met en valeur l’héritage rempli d’espoir qu’elle nous laisse. Une pièce bouleversante. Simone Veil. Les combats d'une effrontéeD’après Une vie, de Simone Veil, publié aux éditions StockAdaptation de Cristiana Reali et d’Antoine Mory Théâtre Antoine 14, boulevard de Strasbourg – 10eDu 18 septembre au 7 novembre 2021 à 19h Plus d’infos
Chezles Latins, il s’agit d’une pièce imitée des Grecs, pour inciter le public à entrer dans la salle et y voir la fin du spectacle. Comédie-vaudeville (au XIXe siècle notamment sous l’influence d’Eugène Scribe) : genre de comédie où s’intercalent des couplets. Expressions. Donner, jouer la comédie: représentation d’une pièce. Aller à la comédie: lieu où se joue
Télécharger l'article Télécharger l'article Lorsqu'il s'agit de monter une pièce de théâtre, le rôle du producteur est différent de celui du directeur, mais l'importance de ce rôle n'est pas amoindrie pour autant. Un producteur s'occupe généralement des aspects de la production qui se rapportent aux finances, à l'administration et à la logistique, comme il peut aussi avoir son mot à dire sur l'aspect créatif de l'ensemble du projet. 1 Trouvez un scénario. En votre qualité de producteur, vous êtes la première personne qui démarre la création de votre œuvre théâtrale. Avant de commencer, vous avez besoin de prendre une décision concernant la pièce théâtrale à produire. Votre équipe peut vous aider à prendre cette décision qui peut consister à monter une pièce classique, comme les misérables, La mort d'un commis voyageur , Mme Saïgon ou un raisin au soleil. Ce sont des pièces de théâtre célèbres qui sont fréquemment jouées bien des décennies après leur création. Vous pouvez aussi créer une pièce inédite et dans ce cas, essayez de trouver un scénario de qualité, écrit par un scénariste talentueux que vous pouvez rencontrer à l'université, dans une troupe théâtrale ou par l'intermédiaire d'un éditeur ou d'un agent d'édition. Sachez qu'une pièce de théâtre est couverte par la loi sur propriété intellectuelle et que par conséquent vous serez appelé à payer des droits d'auteur pour pouvoir l'utiliser. Si la pièce choisie n'est pas encore tombée dans le domaine public, veillez à contacter le dramaturge ou son agent ou le véritable propriétaire de l'œuvre. 2 Recrutez un directeur. Cette personne représente le patron de la pièce théâtrale tant qu'il s'agit des aspects créatifs et artistiques du projet. Il dirige les acteurs pendant les répétitions et prend les décisions finales en matière d'esthétique, comme la conception des accessoires et des décors de plateau. En définitive, c'est lui qui se couvre de gloire ou de ridicule en fonction de l'accueil que fera le public à la pièce de théâtre en question. Le producteur doit trouver un directeur qui convienne au projet. Ce directeur peut être un ami, un professionnel avec qui vous êtes en relation ou un nouveau talent prometteur. Cependant, gardez à l'esprit qu'un directeur puisse décliner votre offre ou essayer d'obtenir une rémunération plus élevée en contrepartie des services qu'il vous rendra. En votre qualité de producteur, il vous appartient de trouver un autre directeur ou d'accepter de négocier. Certains producteurs assurent également la fonction de directeur. Ils endossent ainsi une lourde responsabilité. Donc, sauf si vous avez une grande expérience du domaine, réfléchissez bien avant de décider de cumuler les deux fonctions. 3 Collectez des fonds. L'une des responsabilités principales du producteur est de trouver de quoi financer la création de sa pièce de théâtre. Si vous êtes suffisamment riche, vous pouvez financer le projet vous-même et être ainsi le seul bailleur de fonds. Toutefois, certaines pièces de théâtre bénéficient de l'appui financier de plusieurs bailleurs de fonds qui ne sont que des personnes aisées intéressées par le profit que le projet pourrait générer. Dans ce cas, votre rôle de producteur consiste à promouvoir le projet auprès de ces investisseurs, qu'ils soient des amis personnels ou de riches étrangers, dans le but de les convaincre de le financer. Il vous incombe aussi de les satisfaire, d'abord en faisant fonctionner le projet correctement, ensuite en les informant des modifications éventuelles dans la production ou dans les perspectives de commercialisation, etc. 4 Trouvez une salle de spectacle. Vous aurez besoin d'un espace approprié pour les répétitions et la présentation de votre pièce de théâtre au public. En votre qualité de producteur, vous devez trouver une salle de spectacle pour présenter votre œuvre. La salle doit être adaptée aux aspects techniques du projet, comme les dimensions de la scène, l'éclairage, la sonorisation, etc. De plus, elle devra être suffisamment spacieuse pour accueillir le public prévu pour assister aux représentations. Les autres aspects à prendre en compte comprennent le loyer de la salle, car plusieurs salles auront des exigences différentes en matière de partage des recettes et ainsi de suite ; la disposition des propriétaires de la salle à inclure dans la location la fourniture du personnel d'accueil et des agents ; la prise en charge par les propriétaires de la salle de l'assurance en responsabilité civile ; l'esthétique et l'acoustique de la salle ; l'historique et la réputation de la salle. 5 Programmez des auditions. Chaque pièce de théâtre a besoin d'une distribution, même s'il ne s'agit que d'un spectacle solo. Si vous avez suffisamment de relations, vous pouvez viser des acteurs en particulier pour tenir certains rôles. Dans ce cas, contactez-les directement et offrez-leur de participer à votre projet. Sinon, vous devez programmer des auditions. Efforcez-vous de faire suffisamment de publicité pour ces auditions de façon à permettre aux acteurs potentiels de savoir où et quand se présenter pour essayer d'obtenir un rôle dans votre pièce. Concentrez votre effort publicitaire sur les endroits fréquentés par les acteurs, comme les troupes théâtrales et les écoles des beaux-arts. N'oubliez pas de sensibiliser les groupes avec lesquels les acteurs sont en relation, par exemple les agences artistiques. 6 Embauchez du personnel de soutien. Sachez qu'en plus des acteurs, vous aurez besoin d'embaucher d'autres personnes pour réaliser votre projet. En effet, la réussite d'une pièce de théâtre est le résultat de la collaboration de plusieurs techniciens, comme les machinistes, les techniciens de l'éclairage et de la sonorisation, les concepteurs de costumes, les chorégraphes ainsi qu'un grand nombre d'autres professionnels. En tant que producteur, pensez à recruter le personnel de soutien adéquat, bien que ce personnel ne sera pas directement sous vos ordres quotidiennement, car chacun dépendra de son propre chef hiérarchique. Sachez aussi que plusieurs salles mettront à votre disposition leur propre personnel d'accueil, mais que d'autres ne le feront pas et dans ce cas, il vous reviendra d'embaucher ce personnel en plus de vos techniciens. 7Fixez la distribution de votre pièce. D'une manière générale, le directeur prend les décisions concernant la distribution des rôles entre les acteurs, car c'est lui qui travaillera avec eux pour créer le produit final. Cependant, vous pouvez dire votre mot concernant la distribution en fonction de votre relation avec le directeur, en particulier si vous avez travaillé auparavant sur les aspects créatifs d'une pièce de théâtre. Publicité 1 Établissez un programme des répétitions. Il faut beaucoup de préparation avant de jouer une pièce de théâtre devant un public. En collaboration avec le directeur, établissez un programme des répétitions dont le rythme ira en augmentant au fur et à mesure de l'approche de la date prévue pour la représentation d'ouverture. Tenez compte du prix et de la disponibilité de la salle ainsi que des dates des autres évènements qui sont prévus s'y tenir. Quelques publications théâtrales recommandent de programmer au moins une heure de répétition par page de scénario [1] . Prenez soin de prévoir à la fin des répétitions au moins une séance pour les répétitions techniques et une répétition générale. Les répétitions techniques permettent aux acteurs, au directeur et aux techniciens de revoir la pièce et de remédier à tout dysfonctionnement technique concernant l'éclairage, la sonorisation, les costumes et les effets spéciaux, etc. La répétition générale consiste à jouer la pièce dans sa totalité d'une seule traite, comme si le public était présent. Par exemple, si un acteur oublie ses répliques, la pièce doit continuer à se dérouler comme pendant une représentation normale. 2Ayez une assurance en responsabilité civile. Certaines salles prennent une assurance pour couvrir les représentations théâtrales, mais d'autres ne le font pas. Dans le cas où un accident survient à un acteur ou à un membre du public au cours de la représentation, une assurance en responsabilité civile couvre les couts résultant de l'accident, vous évitant ainsi de payer de votre propre poche. Donc, il est prudent de prendre cette assurance, surtout pour couvrir les risques présentés par certaines pièces de théâtre, en particulier celles qui comportent des scènes d'acrobatie aérienne ou l'usage de feux d'artifice. 3 Prenez vos dispositions pour créer ou acheter des décors de plateau, des costumes et des accessoires. Sachez que des décors, des costumes et des accessoires faits sur mesure, peuvent nécessiter un certain temps pour leur réalisation. Par exemple, la construction de certaines pièces compliquées du décor doit commencer avant même le début des répétitions ! En votre qualité de producteur, vous devez embaucher, coordonner et charger des stylistes et des techniciens de faire vivre votre pièce théâtrale. Si vous êtes déjà à court d'argent, vous n'êtes pas obligé de créer chaque détail matériel à partir de zéro. Par exemple, vous pouvez organiser une collecte de vêtements anciens et démodés parmi lesquels vous choisirez ceux que porteront vos acteurs sur scène. Vous pouvez également faire appel à des bénévoles locaux pour vous aider à construire vos décors. Le théâtre peut unir les membres de votre communauté pour réaliser un spectacle attrayant. 4 Établissez un calendrier des représentations. Habituellement, une pièce de théâtre est jouée plus d'une fois. Les grandes productions sont jouées dans des salles célèbres plusieurs fois par semaine pendant des mois et même les petites productions sont à l'affiche pour de nombreuses représentations. En tant que producteur, vous devez programmer vos représentations en tenant compte des jours fériés, des obligations de votre personnel et des conditions du marché, comme la variation saisonnière du nombre de spectateurs, etc. Efforcez-vous de donner des représentations tant que vous pouvez vendre un nombre suffisant de billets pour faire des bénéfices et si vous affichez complet, vous pourrez organiser des représentations additionnelles. 5 Faites la promotion de votre spectacle. La promotion fait partie du travail du producteur. Elle forme probablement le facteur le plus déterminant pour faire la publicité de votre spectacle en usant de tous les moyens possibles selon votre budget. Par exemple, vous pouvez faire passer des annonces à la radio ou à la télévision, louer un panneau d'affichage ou distribuer des prospectus dans les universités locales. Les frais de publicité dépendent de l'importance de vos efforts promotionnels. Ainsi, les sommes dépensées peuvent être élevées ou minimes. Sachez que certaines de vos actions promotionnelles ne seront pas rémunérées. Vous aurez de la publicité gratuitement, si vous arrivez à convaincre un journal local d'écrire un article ou une chaine de télévision de faire une émission sur votre spectacle. De même, l'internet vous permet de faire de la promotion sans frais, étant donné que l'utilisation des médias sociaux et des courriels est gratuite. 6 Supervisez la bonne marche du spectacle. En votre qualité de producteur, votre mission ne se termine pas après la soirée d'ouverture. Donc, même s'il ne reste plus grand-chose à préparer ou à planifier, vous demeurez responsable de l'ensemble des aspects de votre production théâtrale. Tenez-vous prêt à résoudre les problèmes dès qu'ils apparaissent. Vous aurez peut-être à réparer ou à remplacer des accessoires, à reprendre la programmation des représentations, etc. Vous avez intérêt à avoir un spectacle qui se déroule régulièrement et sans incident, donc ne vous tournez pas les pouces après le démarrage de vos représentations théâtrales. Comme il a été dit précédemment, vous devez informer vos bailleurs de fonds sur les conditions du déroulement du spectacle, notamment concernant le succès financier de l'affaire. Vous aurez probablement à leur présenter un rapport financier, ce qui pourrait être embarrassant dans le cas où les recettes n'ont pas été à la hauteur des prévisions. 7Payez votre personnel et vos bailleurs de fonds. Heureusement, lorsque votre spectacle commence à faire des recettes à travers la vente de billets, vous devez employer une partie de ces recettes pour rembourser vos bailleurs de fonds. Souvent, les propriétaires des salles de spectacle demandent un pourcentage des recettes. Donc, en votre qualité de producteur, vous devez distribuer vos recettes de façon équitable entre tous les intéressés. Indépendamment du profit que vous aurez réalisé, vous devez aussi vous assurer que vos acteurs et vos techniciens ont été payés intégralement. Publicité Avertissements Votre personnel, y compris les acteurs et les actrices, peut ne pas exécuter vos ordres à la lettre. Essayez de les aider, mais souvenez-vous que personne n'aime un directeur qui pinaille sans arrêt. Publicité À propos de ce wikiHow Cette page a été consultée 53 196 fois. Cet article vous a-t-il été utile ?
| Θхраκե օчኧձ | Уጳυк шከг αፊεнуτа |
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| Σխκኻզቷ иմι | Րωбуζа сጮյև |
| Кቱψорсеκαփ осαհа | ԵՒքαж հоψимяղ |
| Ξеηι лухιմо | ኪраփе щαжуռи са |
| Ωтυч βиζеβоц εле | Ու րደկуկեμеча |
| Σωвродрили эղιсв րуλኁглурус | Исвሀзвεմεл սоζикто ሌоቸенէρоሦи |
Rendezvous le samedi 27 et le dimanche 28 août 2022. Chaque année fin août, Boulogne-sur-Mer accueille des milliers de pèlerins lors de sa Grande Procession. La légende rapporte qu'en 636, une embarcation sans équipage ni voilure, portant une statue de la Vierge, accosta à Boulogne et qu’au même moment, des fidèles priant dans la chapelle située à l'emplacement de l'actuelle
Les spectacles jeune public théâtre, cirque, danse, magie, comédie musicale… Il existe plus de 130 salles de spectacle à Paris. Nombreuses sont celles qui proposent des spectacles de qualité destinés au jeune public. Du petit théâtre de quartier aux tarifs tout doux au grand théâtre parisien avec leurs pièces succès, l’offre est riche et variée. Pour réviser ses classiques, on va à la Comédie Française. Les magiciens du Double Fond blufferont petits et grands. Pour une occasion ou une sortie de fin d’année, on choisira une belle comédie musicale. Le cirque reste une des sorties préférée des enfants. Un petit conseil pour les parents et grand-parents qui veulent prendre des places de spectacle en particulier au moment de Noël, pensez à réservez vos places longtemps à l’avance. Les théâtres et salles de spectacles affichent très vite complet. Les comédies musicales à Paris Elles ont le vent en poupe et n’ont rien à envier aux comédies musicales américaines. Elles sont souvent programmées au moment de Noël et sont une bonne idée de sortie en famille à l’occasion des fêtes de fin d’année. Les spectacles de cirque Le cirque a considérablement évolué ces dernières décennies avec l’arrivée de grands spectacles spectaculaires et acrobatiques venus des 4 coins du monde comme le cirque canadien “Le cirque du soleil”. Les spectacles de magie Les magiciens ont toujours fasciné petits et grands. Ils nous laissent perplexe et nous bluffent ! La plupart des spectacles de magie sont interactifs et le public participe avec amusement et enthousiasme ! Le Double Fond une super adresse qui propose des spectacles dédiés aux enfants et d’autres aux adultes. Pour en savoir encore plus sur l’univers de la magie, allez faire un tour au Musée de la Magie et des automates dans le 4ème. Les spectacles de Noël pour les tout-petits Théâtre classique ou pièces plus contemporaines, l’offre jeune public dans les théâtres parisiens ou dans les théâtres de banlieue est riche. De nombreux petits théâtres proposent des pièces drôles et rafraîchissantes pour les très jeunes enfants. Le répertoire adapté aux ados est large !
Cen'est qu'à la fin du XVIII e siècle que le chorégraphe Noverre les fit supprimer, sans que d'ailleurs l'art du geste y gagnât rien. A partir du XIX e siècle, toutefois, la pantomime véritable, expressive et apte à rendre toutes les passions et tous les sentiments, a été vraiment remise en honneur. On a renoncé généralement, dans ce genre, aux pièces à grand spectacle où
Par Philippe ChevilleyJuillet 2014. Un jeune metteur en scène, Thomas Jolly, encore peu connu du public, crée l'évènement à Avignon en montant l 'intégrale de la trilogie de Shakespeare dédiée à Henry VI et à la guerre des Deux-Roses. Dix-huit heures de théâtre flamboyant, entractes compris. En juin 2022, désormais directeur du Quai d'Angers, il décide de repousser les limites du genre. Du samedi 5 au dimanche 6 au matin, il a présenté ses deux mises en scène d'Henry VI et de Richard III dans la continuité, en vingt-quatre heures chrono. Durant un jour et une nuit, un fabuleux intermède théâtral a distendu le temps et réjoui un public chauffé à blanc. Un public venu de toute la France, souvent avec un simple sac à dos il n'était pas besoin de réserver un hôtel.Cette performance artistique, un one shot » le spectacle a ensuite été rejoué mais sur deux jours, était une obsession » pour Thomas Jolly Il fallait finaliser le geste narratif, mener à terme la plus longue histoire que nous ait proposée le théâtre. Maintenant, c'est fait », nous confie l'acteur-metteur en scène, plus ému que fatigué, deux jours après ce marathon où il incarne lui-même Richard III. Ce projet réalisé n'est pas un simple caprice d'homme de théâtre. Je me souviens qu'à Avignon, à la fin d''Henry VI', à quatre heures du matin, les gens scandaient 'Richard III ! Richard III !'. J'ai répondu à leur attente en montant la tragédie du roi maudit un an plus tard. Il restait à boucler la boucle en enchaînant les deux spectacles. »Henry VI», de Thomas Jolly, Avignon de s'interroger sur la résistance du public, c'est l'énergie déployée par les acteurs qui fascine. Rien que dans la préparation du spectacle. Le travail de répétition ressemble à l'ascension d'une montagne. Si on brûle les étapes pour atteindre au plus vite le sommet, on se plante. On a répété les vingt-quatre heures comme les dix-huit heures, scène par scène, parfois réplique par réplique. La chose extraordinaire est qu'on a presque tout de suite retrouvé nos marques texte, emplacements, positions, mouvements. Les comédiens ont une mémoire du corps incroyable.» Il n'y a pas eu de filage intégral. Les vingt-quatre heures n'ont donc été jouées vraiment qu'une fois. Devant le toute la représentation, les comédiens ont été en mode veille », explique le metteur en scène. Dans les coulisses, on avait prévu de la nourriture, un ostéopathe, des dortoirs de fortune, avec des assistants-sommeil chargés de retrouver et de réveiller les comédiens endormis. A partir de 5 h 30 du matin, à la fin d''Henry VI', c'est là qu'on a repoussé nos limites jeu, voix… on a travaillé dans l'épuisement et abandonné toute maîtrise. On était dans le présent du théâtre, ce qui n'arrive pratiquement jamais avec des pièces courtes. Une quintessence. Le summum du partage avec le public. » On n'est pas fatigués! »Comme il a été vaillant ce public ! Aussi fringant que nos Lancastre et Gloucester à cran. Tout commence par des clameurs à la seconde où les acteurs entrent en scène. Les bravos, les clappings émaillent tout le spectacle. Avant les reprises, certains scandent On n'est pas fatigués ! » Il y a même eu une ola », s'amuse Thomas Jolly. Puis une standing ovation de près d'un quart d'heure à la fin… Un mix de concert rock et de match de foot. Aux entractes, les gens se partageaient denrées et oreillers. Les fantômes de spectateurs qui hantaient les rues et la gare d'Angers, dimanche matin, avaient leur sac à dos rempli d' fresque théâtrale en appelle d'autres. Il n'y aura pas longtemps à attendre pour sa dernière édition en tant que directeur du Festival d'Avignon, Olivier Py en a programmé deux de plus de dix heures, début juillet. C'est moins impressionnant que vingt-quatre heures, mais c'est tout de même un sacré défi, souligne-t-il Six heures de spectacles, ça passe… dix à treize heures, ça devient une aventure complètement folle. » Olivier Py proposera ainsi sa dernière création en quatre actes Ma jeunesse exaltée ; et le jeune auteur acteur Simon Falguières une épopée en sept parties, Le Nid de Vitez et son Soulier de satin»Si l'on remonte le temps, c'est à Avignon, essentiellement, qu'ont été créées les grandes formes de ces cinquante dernières années. Le Soulier de Satin, mis en scène par Antoine Vitez; la trilogie de Wajdi Mouawad Le Sang des promesses » , et 2666de Julien Gosselin sont autant de spectacles qui sont devenus cultes. Rendons ses lauriers à César le geste le plus aventureux fut celui d'Olivier Py qui, en 1994, créa un spectacle dingue de vingt-quatre heures La Servante. Il s'en est d'ailleurs inspiré pour créer son nouvel opus dans le même théâtre du in », le gymnase Olivier Py, la fresque est un choix radical, une rupture avec le théâtre bourgeois. On sort de la culture express, du divertissement. Le spectacle ne va pas égayer une gentille soirée, mais occuper la nuit où la journée, voire les deux ». L'auteur metteur en scène relève qu'il y a finalement peu de mots dans une pièce de deux heures. Dans une fresque, l'auteur peut s'en donner à coeur joie s'offrir une totale liberté stylistique, porter le propos plus loin, à des endroits où personne n'est jamais allé. C'est une aventure philosophique. Une cosmogonie ».Répétition à la FabricA de Ma jeunesse exaltée» d'Olivier Py. La pièce de dix heures avec entractes sera donnée à Avignon.©Christophe Raynaud de LageLe Festival d'Avignon est le rendez-vous idéal pour les projets au long cours avec son public disponible, très varié et curieux ». Il offre une assise solide pour cofinancer les productions. Cela coûte très cher. On doit doubler, voire tripler les équipes. » Olivier Py a mis six mois à écrire son ode à la jeunesse, symbolisée par le personnage d'Arlequin, héros facétieux des quatre parties. La grande innovation du texte est de jouer à fond la carte de la comédie. Une farce de huit heures, c'est un peu une première. » Sur le mode burlesque, on verra Arlequin, incarné par un jeune acteur, Bertrand de Roffignac, fustiger le capitalisme sauvage, se jouer de la poésie et de la religion, vivre à fond, mourir et ressusciter pour enfin faire triompher l' force de fréquenter le genre, Olivier Py en connaît les recettes. Si on ne veut pas perdre le public, chaque épisode ne doit pas dépasser deux heure. » De même, il ne faut pas que le texte soit trop linéaire L'épopée doit cultiver le mélange des genres, à la manière de Shakespeare et de Claudel. » Enfin, la mise en scène doit être à l'avenant inventive et débridée… Il faut à tout prix éviter qu'on s'ennuie… » Pour les acteurs, l'aventure est un véritable sacerdoce », l'équivalent de trois mois, voire six mois de travail. Les répétitions ont un côté tonneau des Danaïdes, au fur et à mesure que l'écart grandit avec les premières scènes travaillées. »Une tradition du théâtre antique et du nô japonaisCes grandes traversées théâtrales ne sont pas nées à Avignon, bien sûr. Dans la Grèce antique, on représentait les grands feuilletons mythiques en une journée. Idem pour le nô japonais. Le théâtre élisabéthain et le théâtre classique français, en revanche, n'avaient guère pour habitude de jouer les prolongations. Au XIXe siècle, on voit resurgir la fresque avec les grands opéras. Avec la Tétralogie de Wagner ou 'Les Huguenots' de Meyerbeer, on entre dans une autre dimension », estime Olivier Py. Le théâtre n'est pas en reste…On connaît l'appétit de grandeur de Victor Hugo Son 'Cromwell' frôle les dix heures ». Ibsen, avec Peer Gynt et surtout avec son drame en dix actes Empereur et Galiléen flirte également avec la démesure. Quant au Soulier de satin écrit en 1943, il a fallu attendre la mise en scène de Vitez dans la cour d'honneur, quatre décennies plus tard, pour que la pièce soit jouée intégralement plus de dix heures avec les entractes et reconnue à sa juste valeur. Un autre homme de théâtre s'y est frotté avec talent un peu plus tard Olivier Py… inspiré depuis toujours par la verve claudélienne.»Le Nid de cendres». La pièce de Simon Falguières sera présentée à la FabricA au Festival d'Avignon du 9 au 16 juillet.©Simon GosselinLa programmation de Simon Falguières à La FabricA d'Avignon a un peu l'allure d'un passage de relais. Car dans son épopée Le Nid de cendres, il y a tout ce qu'Olivier Py défend - mélange des styles, propos politique et philosophique, une vraie cosmogonie - en moins cérébral sans doute. Le jeune dramaturge de 34 ans revendique un théâtre populaire à la manière de Thomas Jolly. Sa grande oeuvre fait littéralement feu de tout bois, convoque Claudel, Shakespeare, Maeterlinck, voire Molière, et un certain réalisme de la pièce est magnifique. Quand elle commence, le monde est comme une pomme coupée en deux d'un côté le monde réel, à feu et à sang ; de l'autre le monde des contes qui se délitent. Tant que les deux moitiés du fruit ne seront pas réunies, il ne pourra tourner rond. Deux héros sont voués à recoller les morceaux la princesse Anne, venue des pays des contes, pour trouver l'homme qui sauvera sa mère, la reine ; et Gabriel, un orphelin recueilli par des comédiens dans un pays en proie aux émeutes. Le Nid de cendres joue constamment sur les deux tableaux du réalisme et de la fable, offrant aux spectateurs en mal d'enchantement un bouleversant voyage.'Le Nid de cendres' est ma véritable naissance au théâtre. Une gestation de sept années, chargée de tous mes rêves, de tous mes amours de théâtre. Le théâtre auquel j'ai choisi de consacrer ma Falguières La conception de cette grande fresque est en soi une épopée. Un work in progress » de sept ans… Les oeuvres au long cours m'ont toujours fasciné, raconte Simon Falguières. Très tôt j'ai écrit des pièces, mais mon plus cher désir était de concevoir une épopée. Je n'y arrivais pas. Le déclic s'est produit quand j'ai rejoint la classe libre du cours Florent en 2015 pour parfaire mon travail de comédien. J'y ai rencontré une génération d'acteurs formidables. C'est avec à eux que le projet a vu le jour. On m'a confié deux stages et on a travaillé sur les premières ébauches de Nid de cendres ». Trois heures en tout. Et puis mes camarades comédiens se sont dispersés Conservatoire, Ecole du Nord, Atelier volant du Théâtre national de Toulouse… J'ai eu peur de les perdre. »Il a fallu un petit miracle Une comédienne de la troupe, Pia Lagrange, nous a tous invités chez elle en Charente et, pendant deux étés, on a joué la pièce sur des tréteaux de bois, sous les étoiles. C'est là qu'elle a pris de l'ampleur. » Ensuite sont venus les producteurs Christophe Rauck, aujourd'hui directeur des Amandiers de Nanterre, le Théâtre de Normandie…. En 2019, on a présenté un spectacle de six heures. Le reste de l'épopée était déjà écrite, mais jamais je n'aurais imaginé pouvoir la montrer dans sa totalité. C'est Olivier Py qui a rendu la chose possible ».Jongler avec les registresL'artiste a déjà une autre pièce très remarquée à son actif, Les Etoiles, créée en 2020 à La Colline pendant l'épidémie de Covid. Mais Le Nid de Cendres marque [ma] véritable naissre. Le théâtre auquel j'ai choisi de consacrer ma vie ». Sa pièce-monde est en effet une ode au théâtre dans laquelle il n'hésite pas à faire dialoguer, dans une scène extravagante, la princesse Anne avec les fantômes de Shakespeare, d'Homère et Sophocle. J'aime jongler avec les registres. Et je suis fasciné par le monde des contes, par leur mystère… Dans ma pièce, de vieilles histoires surgies de notre cerveau reptilien se confrontent avec le monde contemporain. »Parmi la soixantaine de personnages, roi, reine, princesses, gens du peuple, comédiens et fantômes, il y a même le Diable Monsieur Badile et un président déchu qui arpente des terres brûlées déguisé en voyante. Simon Falguières ne tombe pas dans le piège des clins d'oeil faciles, vite obsolètes, à la politique. L'épopée parle tout le temps du monde, mais pas d'actualité ». Il s'agit d'être bien dans époque et hors du temps Le théâtre est tout sauf archaïque, il nous rappelle à notre humanité.»La scène comme un boîte à jouerReste à passer l'épreuve de la scène et des treize heures de représentation. Le texte est conçu pour maintenir l'attention du spectateur avec ses rebondissements et ses scènes poumons » de comédie. Mais il faut que la mise en scène suive… J'essaie de tenir la ligne la plus claire pour ne pas perdre les spectateurs. Dans le même temps, je crée des changements de braquet dans chaque partie. Et je soigne particulièrement les débuts et les fins. »Construire un décor lourd pour représenter forêts, royaume magique, mers, villes, maisons, palais… n'aurait pas eu de sens. Simon Falguières a sollicité Emmanuel Clolus, scénographe réputé souvent associé à Stanislas Nordey, le directeur du TNS . Il a conçu un espace dénudé, aéré, qui se métamorphose à l'envi, une véritable boîte à jouer où les accessoires jouent un rôle majeur ; les costumes aussi 250 en tout…, conçus pour distinguer les deux mondes. » Afin de créer le merveilleux, Falguières compte beaucoup sur les lumières et sur la musique dont une partie sera jouée en live » par les acteurs pour incarner 56 personnagesDix-sept acteurs sont mobilisés pour incarner 56 personnages avec les équipes techniques, il y aura en tout 35 personnes sur le plateau. On travaille sur le texte depuis sept ans, donc le mémoriser n'est pas si difficile. C'est surtout un défi physique. Sur 9 h 30 de spectacle hors entracte, les acteurs sont tout le temps en scène. Cela exige une préparation très rigoureuse. » Avec à la clé un enthousiasme sans faille Le Nid de Cendres, c'est l'aventure utopique d'une vie ».Avec nos trois capitaines au long cours, Py, Jolly et Falguières, force est de constater que les traversées théâtrales ont le vent en poupe. Cela tente jusqu'aux jeunes compagnies, pourtant dépourvues de moyens. Ainsi de Hughes Duchêne et de Je m'en vais mais l'Etat demeure, son feuilleton politique sur le premier quinquennat d'Emmanuel Macron présenté en intégrale à Paris en juin au Théâtre 13. Le phénomène n'est pas une simple réponse à la vogue des séries qui clouent de potentiels spectateurs sur leur canapé… Dans les deux cas, la motivation est la même, explique Thomas Jolly Le réel est de plus en plus anxiogène. Que ce soit dans le domaine politique, économique, écologique, sanitaire, l'horizon apparaît flou, voire bouché. Les gens compensent ce désir de projection inassouvi par une quête de récits. » Plus ces récits sont complexes, merveilleux, vibrants et incarnés en scène, plus ils étanchent notre soif de rêve et d'espérance. Plus ils étirent le temps, plus le rêve et l'espoir sont grands. Et si les jours les plus longs au théâtre étaient aussi les plus beaux...Les deux traversées d'Avignon 2022 Ma jeunesse exaltée ». Olivier PyAu Gymnase Aubanel, les 8, 9, 10, 12, 13, 14, 15 juillet à 14 h 00. Durée dix heures avec 3 entractes. Avec notamment Bertrand de Roffignac, Xavier Gallais, Céline Chéenne. Le Nid de cendres ». Simon FalguièresA la FabricA, les 9, 10, 12, 13, 15, 16 juillet à 11 heures Durée treize heures avec entractes.Infos, location 04 90 14 14 14Les deux textes sont publiés Chez Actes Sud - grandes fresques qui ont marqué le festival Le Mahabharata », de Peter Brook 1985. Le Soulier de Satin », de Paul Claudel, mis en scène d'Antoine Vitez 1987. Vole mon dragon », d'Hervé Guibert, mis en scène de Stanislas Nordey 1994. La Servante Histoire sans fin », d'Olivier Py 1995.- Le Sang des promesses » Littoral - Incendies - Forêt », de Wajdi Mouawad 2009. Henry VI », de William Shakespeare, mis en scène de Thomas Jolly 2014. 2666 », de Roberto Bolano, mis en scène de Julien Gosselin 2016. Joueurs - Mao II - Les Noms », de Don DeLillo, mis en scène de Julien Gosselin 2018.
Rendezvous à Nantes pour découvrir un spectacle Shame Of Thrones - La Fin D'Un Règne. Ce spectacle sera en représentation à Nantes - Théâtre De Poche. Concert; Théâtre; Festival; Jeune Public; Danse; Art du spectacle; Exposition. Trouver. Agenda Culturel Loire-Atlantique. Théâtre Loire-Atlantique. Théâtre Nantes. Spectacle Shame Of Thrones - La Fin D'Un Règne. Spectacle
Par Laura B. Publié le 12 décembre 2020 à 09h01 "Une Heure de Tranquillité", la pièce de Florian Zeller, devait être à l'affiche du théâtre Antoine pendant les fêtes de fin d'année. C'est finalement à la télévision, sur France 2, le 29 décembre 2020, qu'elle sera diffusée. "Une Heure de Tranquillité" est interprétée, entre autres, par François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot. "Une Heure de Tranquillité", pièce écrite en 2013 par Florian Zeller, et créée au théâtre Antoine, devait faire son retour sur les planches du théâtre Antoine. La comédie y était programmée, pour huit représentations seulement, pendant les fêtes de fin d'année 2020, comme un cadeau de Noël aux amateurs de les théâtres n'ayant pas obtenu l'autorisation de rouvrir, c'est finalement à la télévision que la captation d' "Une Heure de Tranquillité" sera diffusée. France 2 a décidé de programmer la pièce le mardi 29 décembre 2020, en prime time, à partir de 21 heures. Au moment de sa création, "Une Heure de Tranquillité" était interprétée par Fabrice Luchini. Dans cette nouvelle mouture, on retrouve sur scène François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot, toujours mis en scène par Ladislas Vaude, Christelle Reboul, Thierry Lopez et Jean-Luc Porraz complètent la distribution. "Une Heure de Tranquillité" c'est l'histoire de Michel, un passionné de jazz, qui vient de dénicher un album un album très rare qu'il projette d'écouter tranquillement dans son salon. Mais le monde entier semble en avoir décidé autrement. Sa femme voudrait lui parler, son fils débarque à l'improviste, son voisin frappe à la porte... Et même sa maîtresse voudrait faire le point avec lui. Manipulateur et menteur, Michel est prêt à tout pou ravoir la paix. À lire aussiQue faire ce week-end à Paris avec les enfants, les 27 et 28 août 2022Que faire cette semaine à Paris du 22 au 28 août 2022"Une Heure de Tranquillité" a été adaptée au cinéma en 2014 par Patrice Leconte avec Christian Clavier dans le rôle principal. Entre les fêtes de fin d'année, profiter d' "Une Heure de Tranquillité" voire plus si affinité à la télé, sur France 2 !
Lacarrière de la pièce de théâtre documentaire J’aime Hydro se poursuit. En effet, la pièce créée par Christine Beaulieu sera présentée chez
Le théâtre puise ses lointaines origines dans les cérémonies religieuses de l'Antiquité, voire de la Préhistoire. Aux Temps modernes, c'est un spectacle profane à part entière et immensément populaire. La preuve en est qu'il imprègne encore aujourd'hui notre vocabulaire quotidien. Il est vrai qu'il n'a pas encore de concurrents tels que le cinéma ou la télévision... Acte III le théâtre du Roi-Soleil France, XVIIe siècle Le théâtre français du XVIIe siècle bénéficie de la bienveillance du pouvoir, de Louis XIII et Richelieu à Louis XIV. Passionné par la danse et amoureux des spectacles, le Roi-Soleil ne cessa de favoriser les auteurs, pour sa plus grande gloire. C'est lui également qui créa, en 1680, la Comédie-Française en fusionnant les troupes existantes. Pierre Corneille, ancien avocat, passe en quelques années de la comédie baroque L'Illusion comique, 1635 à la tragi-comédie Le Cid, 1637 et à la tragédie pure Cinna, 1639.... Molière donne ses lettres d'or à la comédie Don Juan, 1665, L'Avare, 1668, Les Fourberies de Scapin, 1671... et crée avec Jean-Baptiste Lully, un nouveau genre, la comédie-ballet dans laquelle des intermèdes musicaux et dansés sont intégrés à l'intrigue Le Bourgeois gentilhomme, 1670. Enfin, Jean Racine, jeune ambitieux, finit par abandonner l'écriture Andromaque, 1667, Phèdre, 1677... pour se consacrer à la fonction plus prestigieuse d'historiographe du roi. L'époque n'était plus aux fantaisies baroques mais au sérieux. On institua des règles qui s'appuient sur les principes de rigueur et d'harmonie propres au classicisme Qu'en un jour, qu'en un lieu, un seul fait accompliTienne jusqu'à la fin le théâtre rempli». Il s'agit de respecter les trois unités de lieu un seul décor, de temps 24 heures et d'action une seule intrigue pour satisfaire aux deux règles de base la vraisemblance une histoire crédible et la bienséance rien de choquant. Le théâtre se place donc sous le signe de la raison avec des objectifs précis plaire et instruire. La dimension morale est donc primordiale par le rire ou la peur, on veut provoquer chez le spectateur la catharsis, c'est-à-dire le rejet de ses mauvais penchants. Il faut donc, selon Molière, corriger les vices des hommes en les divertissant». Tout un art ! Vivre de la comédie au XVIIe siècle Être comédien à l'époque de Molière n'est pas de tout repos méprisé par la population qui cherche avant tout à s'amuser, y compris en se moquant des acteurs, le métier était vu d'un mauvais oeil par l'Église, pleine de soupçons envers cette population itinérante, accusée de moeurs dissolues. Sur les conseils de certains évêques, les curés en viennent à refuser à ces familles la communion, le mariage, le baptême et surtout l'inhumation en terre sainte». C'est ainsi que Molière, malgré sa piété, ne dut qu'à l'intervention de Louis XIV de pouvoir reposer dans la cimetière de la paroisse Saint-Joseph. Pourtant, à l'époque du grand auteur, le métier est devenu moins difficile. Les troupes se sont organisées et souvent établies dans des bâtiments enfin en dur. Les recettes sont divisées selon le nombre de comédiens et leur fonction dans la pièce. Molière, en cumulant les casquettes, touchait près de 20 000 livres par an, soit les revenus d'un bourgeois aisé. Dans un théâtre du XVIIe siècle Entrons, à la suite du public, dans un théâtre parisien au XVIIe siècle, dans l'après-midi. Selon la somme que vous souhaitez débourser, vous pouvez rester debout au parterre, au milieu des cris et des bousculades, ou chercher plus de tranquillité dans les loges et galeries. Mais n'espérez pas vous asseoir les premières chaises ne seront installées qu'en 1782, à l'Odéon. Seuls quelques riches privilégiés peuvent profiter des fauteuils installés à même la scène, pour mal voir mais être vu ! Le théâtre est en effet, plus qu'un lieu de culture, une occasion de rencontres et de parade. Les spectateurs, de tous les milieux, ne restent à aucun moment silencieux mais préfèrent partager leurs commentaires sur les décors et costumes. Il faut dire que tout est fait pour le plaisir des yeux le décor, unique pour répondre à la règles de l'unité de lieu, est soigné, et souvent agrémenté d'effets de machineries impressionnants ; généralement propriété personnelle des comédiens, les costumes peuvent être somptueux, en soie et taffetas, sans souci des possibles anachronismes qu'importe que le romain Cinna apparaisse en pourpoint Renaissance? Tout cela est éclairé tant bien que mal avec des bougies disposées sur des lustres ou sur la rampe, le long de la scène. Cet éclairage présentait deux problèmes tout d'abord, il fallait moucher les bougies toutes les 20 minutes, ce qui obligeait les auteurs à diviser leurs pièces en actes pour instaurer une pause. Ensuite, les costumes risquaient de s'enflammer, ce qui provoqua la mort de plusieurs danseuses au XIXe s. C'est pourquoi, dit-on, les tutus furent raccourcis. Rien de naturel également dans le jeu des acteurs, qui aimaient pratiquer une diction pleine de lyrisme et grandiloquence. Molière se moqua de cette déclamation, préférant que ses comédiens s'approchent de la vérité de leur personnage Tâchez […] de vous figurer que vous êtes ce que vous représentez». Un nouvel exemple de sa modernité... Acte IV Quand les planches font leur révolution France, XVIIIe-XIXe siècles Le théâtre et le pouvoir n'ont pas toujours fait bon ménage. En 1725, c'est le discret Marivaux qui remet en cause la hiérarchie sociale dans L'Île des esclaves. Il ouvre ainsi la voie à l'audace de Beaumarchais qui échappe de justesse à la censure pour Le Barbier de Séville 1775 puis Le Mariage de Figaro 1784. Le théâtre aime toujours faire pleurer avec Denis Diderot Le Père de famille, 1761 puis, au XIXe siècle, le triomphe des mélodrames dans les salles parisiennes du fameux boulevard du Crime». Mais le 25 février 1830, la Comédie-Française se transforme en champ de bataille pour la première d'Hernani d'un côté, la bande des chevelus» venus soutenir bruyamment la pièce d'Hugo ; de l'autre, le clan des chauves» prêts à défendre les principes de l'écriture classique. C'est Hugo qui gagne la bataille d'Hernani», avec ses amis romantiques Alexandre Dumas Henri III et sa cour, 1828 et Alfred de Musset Lorenzaccio, 1834. Un mot d'ordre la liberté. On mélange les genres, on piétine les règles, on disloque les vers... Mais ces pièces, difficiles à monter, laissent rapidement place à des œuvres plus légères le trio Eugène Labiche Un Chapeau de paille d'Italie, 1851, Georges Feydeau La Dame de chez Maxim, 1899 et Georges Courteline Messieurs les ronds-de-cuir, 1893 font le bonheur des spectateurs avec leurs vaudevilles. Acte V Tout cela est bien absurde... France, XXe siècle Merdre !» C'est sur ce mot du père Ubu Alfred Jarry, Ubu roi, 1896 que se referme le XIXe siècle, peu avant le triomphe de Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand 1897. Les metteurs en scène prennent alors le pouvoir, comme André Antoine qui s'attache à reproduire la réalité sur les planches tandis que Jacques Copeau ne veut qu'une scène dépouillée. Son ami Louis Jouvet triomphe dans la mise en scène de Knock de Jules Romains, en 1923, avant de participer à un retour aux sources antiques avec Jean Giraudoux La Guerre de Troie n'aura pas lieu, 1935 et Jean Cocteau La Machine infernale, 1934. D'autres théoriciens, comme Antonin Artaud, souhaitent privilégier le jeu par rapport au texte c'est le Théâtre de la cruauté» qui fait la part belle au spectacle pour attiser la sensibilité des spectateurs. La guerre coupe cet élan mais pas le goût du public pour le spectacle des pièces engagées voient le jour, dont l'Antigone de Jean Anouilh 1944 et Huis-clos de Jean-Paul Sartre 1944. Après le traumatisme de 1939-1945, un duo d'auteurs entreprend de montrer l'aspect dérisoire de l'existence en mêlant désespoir et rire Eugène Ionesco La Cantatrice chauve, 1950 et Samuel Beckett En attendant Godot, 1952 mettent en miettes le dialogue pour mieux montrer l'incohérence du monde. Leur Théâtre de l'absurde» triomphe au moment où festival d'Avignon, créé en 1947, par Jean Vilar, prend son envol. Aujourd'hui certains de nos auteurs, comme Bernard-Marie Koltès Dans la solitude des champs de coton, 1985, Éric-Emmanuel Schmitt Le Visiteur, 1993 ou Yasmina Reza Art, 1994, acquièrent même une reconnaissance internationale qui montre la vigueur d'un art en permanente reconstruction. Publié ou mis à jour le 2022-01-05 090648
Lapièce nous divertit aussi grâce aux différents univers qui défilent sur la scène: bouffon, et qu’à la fin il obtient une certification qui correspond au droit de tuer en toute impunité. L’incompétence et la vénalité des médecins ressort ici de manière particuliè- rement évidente. 2. Le spectacle est un excellent moyen de dénoncer ce qu’est la médecine, à savoir un
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fin d une pièce à grand spectacle
